La luz como arte: las grandes cinematografías del cine en los últimos 100 años
La luz como arte: las grandes cinematografías del cine en los últimos 100 años
Existe una creencia errónea que persiste en algunos círculos cinéfilos: la idea de que una fotografía excepcional es sinónimo de una película aburrida, que cuando nos detenemos a admirar la belleza de un fotograma es porque la historia no está a la altura de su puesta en escena. Nada más alejado de la realidad.
La dirección de fotografía es mucho más que el mero embellecimiento de una obra cinematográfica. Es un lenguaje en sí mismo, una herramienta narrativa que define el tono, la atmósfera y la emoción de una historia. Desde la elección de las ópticas hasta la composición del encuadre, pasando por el movimiento de cámara y el tratamiento del color, el trabajo del director de fotografía es crucial para traducir la visión del director en imágenes.
En esencia, el cine no es más que luz y sombra. Sin luz, la ilusión cinematográfica desaparecería, dejando tras de sí el abismo de la oscuridad. La cinematografía es el arte de esculpir esa luz, de dotarla de textura, de color y de significado. Un gran director de fotografía no solo ilumina una escena: construye su alma, otorga identidad visual a la película y refuerza la conexión emocional con el espectador.
Con el propósito de reivindicar a estos maestros de la luz, presentamos una selección de las mejores direcciones de fotografía que ha dado el cine en el último siglo. Desde los contrastes expresionistas de Metrópolis hasta la elegancia pictórica de 1917, esta lista es un recorrido por las imágenes más memorables de la historia del séptimo arte.
Las diez mejores cinematografías de la historia del cine
1. Lawrence de Arabia (1962) – Freddie Young
Ganadora del Óscar a la mejor fotografía en 1962, la obra maestra de David Lean es un referente absoluto en el uso de la luz natural y los paisajes desérticos como elementos narrativos.
2. Blade Runner (1982) – Jordan Cronenweth
La distopía neonoir de Ridley Scott, con su icónica atmósfera futurista, ganó el BAFTA a mejor fotografía y consolidó un estilo visual inconfundible basado en contrastes, neón y penumbra.
3. Apocalypse Now (1979) – Vittorio Storaro
Ganadora del Óscar a mejor fotografía, la obra de Francis Ford Coppola es un prodigio de iluminación expresionista, contrastes cromáticos y un uso magistral de la luz como metáfora del horror de la guerra.
4. Citizen Kane (1941) – Gregg Toland
Si bien no obtuvo el Óscar, la innovadora profundidad de campo y el uso de lentes gran angular hicieron de Citizen Kane un hito en la cinematografía, revolucionando la manera de narrar visualmente en el cine.
5. El padrino (1972) – Gordon Willis
Con una audaz utilización de sombras y un juego de claroscuros inspirados en la pintura barroca, El padrino estableció un nuevo paradigma en la iluminación cinematográfica.
6. Toro salvaje (1980) – Michael Chapman
La visceralidad del boxeo capturada en un espectacular blanco y negro que potencia el dramatismo de la historia de Jake LaMotta.
7. El conformista (1970) – Vittorio Storaro
Una de las composiciones visuales más sofisticadas del cine, con un uso poético de la luz y el color para reflejar la psicología del protagonista.
8. Días del cielo (1978) – Néstor Almendros
Ganadora del Óscar a mejor fotografía, la película de Terrence Malick es célebre por su deslumbrante uso de la «hora mágica», capturando la luz natural con una sensibilidad pictórica.
9. 2001: Odisea del espacio (1968) – Geoffrey Unsworth
El clásico de Kubrick es un referente absoluto en la cinematografía de ciencia ficción, con una estética visual que sigue inspirando a generaciones de cineastas.
10. The French Connection (1971) – Owen Roizman
Con una fotografía cruda y documental, la obra de William Friedkin transformó el cine policíaco con su innovador uso de la luz natural y el movimiento de cámara.
Otras cinematografías esenciales del cine
Clásicos del cine mudo y la edad dorada de Hollywood
- Metrópolis (1927) – Karl Freund, Günther Rittau
- Amanecer (1927) – Charles Rosher Sr., Karl Struss
- Lo que el viento se llevó (1939) – Ernest Haller
- Casablanca (1942) – Arthur Edeson
- El tercer hombre (1949) – Robert Krasker
La influencia del cine europeo, japonés y el neorrealismo
- Ladrón de bicicletas (1948) – Carlo Montuori
- Rashomon (1950) – Kazuo Miyagawa
- Los siete samuráis (1954) – Asakazu Nakai
- El año pasado en Marienbad (1961) – Sacha Vierny
El auge del cine moderno y el Nuevo Hollywood
- La última película (1971) – Robert Surtees
- Barry Lyndon (1975) – John Alcott
- Taxi Driver (1976) – Michael Chapman
- Apocalypse Now (1979) – Vittorio Storaro
- Blade Runner (1982) – Jordan Cronenweth
La revolución visual del cine contemporáneo
- El paciente inglés (1996) – John Seale
- Salvar al soldado Ryan (1998) – Janusz Kaminski
- El árbol de la vida (2011) – Emmanuel Lubezki
- Mad Max: Fury Road (2015) – John Seale
- 1917 (2020) – Roger Deakins
Esta selección no es solo un tributo a los grandes directores de fotografía, sino también un recordatorio de que el cine es, ante todo, un arte visual. La luz, la sombra y el color no son simples ornamentos: son el alma misma de la imagen cinematográfica.
