Los mejores decorados del cine
El alma visual del cine: la importancia del diseño de producción y los decorados
Desde los albores del cine, el diseño de producción ha sido un pilar fundamental en la construcción de universos fílmicos. Mucho más que un simple telón de fondo, los decorados y la dirección artística dotan de identidad, atmósfera y coherencia visual a una película, permitiendo que la narración adquiera profundidad y significado. En un medio en el que la imagen es el principal vehículo de expresión, el espacio en el que se desarrolla la acción es tan crucial como los personajes que lo habitan.
El diseño de producción como narrador silencioso
El diseño de producción es el arte de dar forma tangible a las ideas abstractas del guion. En colaboración con el director y el director de fotografía, el diseñador de producción traduce en espacios concretos las emociones, conflictos y estados anímicos que subyacen en la historia. A través del uso del color, la arquitectura y la disposición de los elementos en el cuadro, se pueden transmitir sensaciones tan poderosas como la alienación (“Blade Runner”), la opulencia (“El gran Gatsby”) o el desarraigo (“Parásitos”).
Un ejemplo paradigmático es The Conformist (1970) de Bernardo Bertolucci, donde la frialdad y rigidez de los espacios reflejan la represión interna del protagonista. Del mismo modo, la expresionista Metropolis (1927) de Fritz Lang utilizó escenarios monumentales para plasmar la lucha de clases y la deshumanización en la sociedad industrial.
Los decorados como reflejo de la psicología de los personajes
Los espacios cinematográficos también funcionan como extensiones de la psique de sus personajes. La distribución de los objetos, la iluminación y el estado de los escenarios pueden sugerir el estado emocional de los protagonistas sin necesidad de explícitas explicaciones verbales. En Psicosis (1960), la casa de Norman Bates, con su arquitectura gótica y su disposición vertical (con el sótano como su id y el ático como su superyó), representa su fragmentada personalidad.
Asimismo, en El resplandor (1980), el laberíntico diseño del Hotel Overlook refuerza la sensación de aislamiento y locura progresiva de Jack Torrance. Los pasillos interminables y la geométrica alfombra evocan una estructura claustrofóbica y opresiva, que es parte integral del terror psicológico de la película.
Realismo vs. estilización: dos enfoques complementarios
El diseño de producción puede oscilar entre el hiperrealismo y la abstracción, dependiendo del propósito narrativo. En el cine de Andrzej Wajda o Ken Loach, los escenarios buscan una representación fiel de la realidad social, mientras que en el expresionismo alemán (El gabinete del Dr. Caligari) o en el cine de Fellini (Amarcord), los decorados adoptan un carácter onírico y subjetivo, amplificando las emociones y distorsionando la percepción.
En la ciencia ficción y la fantasía, el diseño de producción es crucial para la inmersión del espectador. Sin el detallado trabajo de Grant Major en El señor de los anillos o el de Anthony Masters en 2001: Odisea del espacio, estos mundos perderían credibilidad y peso dramático.
La evolución del diseño de producción en la era digital
Con el advenimiento de la tecnología digital, el diseño de producción ha experimentado una metamorfosis. Películas como Avatar o Dune han llevado la creación de mundos a un nuevo nivel, combinando decorados físicos con entornos generados por computadora. Sin embargo, el reto sigue siendo el mismo: hacer que estos espacios sean tangibles, verosímiles y emocionalmente resonantes.
Conclusión
El diseño de producción y los decorados no son meros acompañamientos visuales, sino elementos fundamentales en la construcción de la narrativa cinematográfica. Son los arquitectos del universo fílmico, los diseñadores de atmósferas y los guardianes de la coherencia visual. Ya sea en la recreación de una época histórica, en la materialización de mundos imaginarios o en la expresión de estados anímicos, el diseño de producción es, en definitiva, el alma visual del cine.
Los 15 mejores diseños de producción en la historia del cine
El diseño de producción, como cualquier otra disciplina creativa dentro del arte cinematográfico, puede elevar una película al rango de lo sublime o condenarla al olvido. No deja de ser curioso, sin embargo, que salvo en los casos en que los escenarios sean deslumbrantes y extraordinarios, su mención en la crítica o en el análisis fílmico sea poco frecuente.
Tal es la naturaleza ingrata del oficio del director de arte y del diseñador de producción. Si su trabajo no alcanza la excelencia, lo más probable es que pase desapercibido. Pero ¿qué es lo que distingue a un diseño escenográfico excepcional? ¿Qué lo vuelve icónico y memorable? ¿Es la grandiosidad de su escala, la ambición detrás de su concepción, la minuciosidad en los detalles? ¿Es el modo en que genera ilusiones, su diálogo con los personajes, la paleta cromática o la textura de sus materiales?
Quizá sea todo eso y más. Para comprender mejor la magnitud de esta labor creativa, emprendamos un recorrido por algunos de los diseños de producción más magistrales de la historia del cine, desde los clásicos imperecederos hasta las obras contemporáneas.
15. El gran hotel budapest
Diseñador: Adam Stockhausen
Los universos cinematográficos de Wes Anderson han estado siempre impregnados de un aura peculiarmente onírica, como si sus escenarios fueran piezas de una realidad alternativa donde la simetría obsesiva y las perspectivas frontales convergen en un orden casi matemático. La meticulosa composición de cada plano, estudiada hasta el más ínfimo detalle, contribuye a esa sensación de fábula estilizada.
Recordemos la secuencia en vida acuática con Steve Zissou, en la que la cámara recorre el interior del barco como si este fuera una casa de muñecas diseccionada. En efecto, los escenarios de Anderson parecen versiones orgánicas de esas maquetas infantiles, pero llevadas a una escala real y habitada.
En el gran hotel Budapest, esta cualidad alcanza su máxima expresión. La tonalidad rosada y magenta del icónico hotel, la simetría casi obsesiva de habitaciones, pastelerías y prisiones, y esa atmósfera de decadente esplendor en la que todo parece antiguo, pero a la vez cuidadosamente preservado. Dado que la película transcurre en el ficticio país de Zubrowka, Adam Stockhausen debió construir un universo visual completo, evitando el uso de locaciones reales y optando por la creación de escenarios íntegramente diseñados en plató. Para ello, recurrió a materiales como cartón y cinta adhesiva, incluyendo incluso los trenes y estaciones ferroviarias.
Stockhausen sostiene que la marcada preferencia de Anderson por la construcción artesanal de maquetas y su rechazo a los efectos digitales en posproducción otorgan a sus filmes un carácter idiosincrático, dotándolos de una credibilidad tan extravagante como hipnótica.
14. El laberinto del fauno
Diseñadores: Pilar Revuelta y Eugenio Caballero
Guillermo del Toro ha trazado una trayectoria cinematográfica tan heterogénea como fascinante, oscilando entre el cine de autor y las grandes superproducciones. Sin embargo, si hay un aspecto de su cine que ha sido invariablemente elogiado, ese es el diseño de producción. No es casualidad: la formación de Del Toro en efectos especiales y maquillaje ha cimentado su inquebrantable pasión por la construcción meticulosa de universos visuales.
Dentro de su filmografía, el laberinto del fauno se erige como su obra maestra, la más oscura, ambiciosa y profundamente madura. El filme es una lección magistral de diseño de producción, donde la dualidad temática que subyace en la narración se traduce en un lenguaje visual de inquietante belleza.
Desde la creación de un molino de granja completamente funcional hasta la sutil elección de la paleta cromática para diferenciar los tres mundos que coexisten en la historia, el trabajo de Revuelta y Caballero resulta deslumbrante. El film transmite una atmósfera ominosa, que se intensifica a medida que el fascismo del villano se vuelve más opresivo.
No obstante, la mayor proeza del equipo de diseño de producción es haber concebido escenarios fantásticos que se perciben extrañamente reales, orgánicos y aterradoramente palpables. ¿Quién se atrevería a adentrarse en la morada del Hombre Pálido?
13. Moulin rouge
Diseñadora: Catherine Martin
El estilo barroco y desenfrenado de Baz Luhrmann representa un desafío tan colosal como estimulante para cualquier diseñador de producción. Su lenguaje cinematográfico, caracterizado por una estilización exacerbada y un frenesí visual sin parangón, exige escenarios de una teatralidad apabullante. Basta con contemplar su adaptación de el gran Gatsby, una sinfonía de excesos donde cada decorado parece desbordar la pantalla.
En moulin rouge, Luhrmann lleva su estética al extremo, recreando el espíritu de los grandes musicales de los años cuarenta y cincuenta, pero amplificándolo hasta lo hiperbólico. Su intención era que la película se percibiera deliberadamente “artificial, como un espacio donde el canto y la danza surgieran con naturalidad”.
Para lograr este efecto, Catherine Martin realizó una exhaustiva investigación sobre el París de los años veinte y procedió a construir una versión estilizada de aquella época, como un reflejo deformado de la realidad. Dado que el rodaje se llevó a cabo íntegramente en platós, Martin y su equipo de artistas escénicos se entregaron a la tarea titánica de levantar decorados colosales, incluyendo un elefante de tres pisos hecho de papel maché que albergaba un burdel de inspiración árabe en su interior.
El resultado es un derroche de imaginación y artificio, donde cada rincón del escenario exuda una exuberancia desbordante, digna del maximalismo que define el cine de Luhrmann.
12. Ciudadano Kane
Diseñador: Van Nest Polglase
Considerada una de las obras más revolucionarias e influyentes de la historia del cine, ciudadano Kane no solo transformó la narrativa y la cinematografía, sino que elevó el diseño de producción a la categoría de arte narrativo.
La progresión de los escenarios a lo largo del filme es, de hecho, un reflejo visual del ascenso y declive de Charles Foster Kane. De la humildad de sus orígenes a la desmesura de su riqueza, los espacios se expanden en opulencia a medida que su alma se desmorona. La madera cálida de su infancia se convierte en mármol frío y cemento; la mesa de desayuno que comparte con su esposa se alarga inexorablemente hasta convertir la distancia emocional en un símbolo físico.
El contraste es aún más patente en la dicotomía entre su mitin electoral y el de su adversario: mientras este último tiene lugar en un oscuro y asimétrico callejón atestado de ciudadanos comunes, el de Kane se desarrolla en un imponente y perfectamente simétrico escenario, donde un ejército de hombres trajeados se dispone en una geometría inquietante, evocando la imaginería totalitaria de 1984.
Lejos de ser un mero decorado, el diseño de Polglase se erige como un personaje más, narrando silenciosamente la tragedia de Kane a través de su evolución visual.
11. Tigre y dragón
Diseñador: Tim Yip
Considerada la obra maestra definitiva de Ang Lee, el tigre y el dragón es una construcción cinematográfica de una belleza sublime. Desde su fotografía hasta el diseño de vestuario y la coreografía de las secuencias de combate, la película evoca la armonía de un ballet clásico o una ópera china, con una cadencia poética y teatralidad minuciosamente calculada. Gran parte de este refinamiento visual se debe a los extraordinarios diseños escenográficos de Tim Yip.
Nacido en Hong Kong y con una vasta trayectoria en teatro y diseño escénico, Yip comprendió a la perfección que, en la tradición cinematográfica china, la escenografía y el vestuario no son disciplinas separadas, sino manifestaciones de un mismo lenguaje estético.
Esta concepción se hace evidente en el tigre y el dragón, donde los trajes de las dinastías Qing y Tang se funden con los majestuosos escenarios diseñados con meticulosidad. Los espacios no solo enmarcan la acción, sino que también dictan el ritmo de las secuencias de lucha, permitiendo que los personajes se deslicen con gracia entre paisajes de una elegancia atemporal.
Galardonado con el Premio de la Academia al Mejor Diseño de Producción, el tigre y el dragón es una joya del cine en términos escenográficos. Su exquisita ambientación y localizaciones deslumbrantes convierten la película en una epopeya dramática y marcial cuyo impacto visual sería inconcebible sin el magistral concepto de “nuevo orientalismo” de Yip.
10. El aviador
Diseñador: Dante Ferretti
Resulta paradójico, e incluso irónico, que los períodos históricos más conocidos sean los más difíciles de recrear en el cine. Cuanto más familiarizado esté el público con una época, más ardua será la tarea de hacerla verosímil y habitable en pantalla. Pocos conocen esta dificultad mejor que Dante Ferretti, quien ha trabajado con Martin Scorsese en seis filmes ambientados en cuatro épocas distintas.
Sin embargo, el aviador representó un desafío aún mayor. Con apenas doce semanas para investigar y reconstruir el mundo de uno de los mayores megalómanos de la historia estadounidense, Ferretti se vio obligado a trabajar contra el tiempo. Reuniendo mobiliario, antigüedades, pinturas y memorabilia en Los Ángeles y trasladándolos a los estudios de Montreal, donde se rodaron la mayoría de las escenas interiores, Ferretti logró dar vida a una época desaparecida.
El resultado es un prodigio de ambientación. Desde la minuciosa recreación del icónico club nocturno Cocoanut Grove hasta los fastuosos despachos de inspiración Art Déco –con una paleta de colores saturados para imitar el efecto visual del Technicolor que Scorsese buscaba–, el trabajo de Ferretti es sencillamente deslumbrante.
El diseñador y su equipo incluso reconstruyeron una réplica del legendario Teatro Chino de Grauman dentro de uno de los estudios canadienses. Pero no se trataba de una réplica exacta: la versión de Ferretti tenía un pie más de altura que la original.
9. Lo que el viento se llevó
Diseñador: William Cameron Menzies
Uno de los filmes más célebres de todos los tiempos, lo que el viento se llevó deslumbra con su majestuosa recreación del sur de los Estados Unidos en plena Guerra Civil. Sin embargo, resulta sorprendente descubrir que casi toda la película fue rodada en los estudios Selznick de Culver City, y que su fastuosa puesta en escena no es más que el resultado de una magistral labor de escenografía.
Al tratarse de una epopeya que abarca varias décadas, el filme demandó una planificación monumental. William Cameron Menzies fue el encargado de construir algunos de los escenarios más icónicos, como la majestuosa plantación de la familia O’Hara y la devastada capital del estado tras la guerra.
No obstante, muchas de las imágenes más memorables del filme no fueron rodadas en locaciones reales ni en decorados físicos. En su lugar, Menzies recurrió a una técnica que, lamentablemente, ha caído en desuso: la pintura mate. Gracias a este arte, secuencias tan emblemáticas como los atardeceres vibrantes y la imponente fachada de la plantación Twelve Oaks fueron pintadas a mano y posteriormente integradas con las escenas de acción real en postproducción.
La contribución de Menzies a la película no se limitó a la escenografía. También dirigió la legendaria secuencia del incendio de Atlanta, en la que Rhett y Scarlett escapan justo a tiempo de una ciudad en llamas. Para lograr esta escena, MGM quemó antiguos decorados cinematográficos, incluyendo los restos de la muralla de King Kong (1933), en una conflagración real que duró más de dos horas. Un ejemplo supremo de compromiso con el arte cinematográfico.
8. El señor de los anillos: el retorno del rey
Diseñador: Grant Major
¿Dónde empezar con esta obra monumental? Cada entrega de la trilogía El señor de los anillos fue concebida como una sola epopeya, involucrando el esfuerzo de cientos de artistas y profesionales en una labor titánica de creación cinematográfica.
En lo que respecta al diseño de producción, gran parte del mérito recae en Alan Lee y John Howe, ilustradores de renombre en el universo de Tolkien, quienes fueron convocados al proyecto para plasmar visualmente la Tierra Media. Bajo la supervisión de Peter Jackson, estos artistas dieron forma a los paisajes y escenarios en los que se desarrolla la historia. Una vez finalizado su trabajo, Grant Major se encargó de convertir esas ilustraciones en arquitectura tangible y modelos de set.
El esfuerzo colosal dio sus frutos: cada escenario de la trilogía El señor de los anillos es una obra de arte en sí misma. Desde la resplandeciente blancura de Minas Tirith hasta la apacible calidez rural de Hobbiton –construida a escala real un año antes del inicio del rodaje– pasando por la ominosa piedra oscura de las Minas de Moria, cada localización se siente como un ecosistema autónomo, vivo y lleno de historia.
Para conferir un realismo áspero a los escenarios y dotarlos de una impronta histórica, Jackson y su equipo se inspiraron en lugares icónicos del mundo real, como el Monte Saint-Michel, la ciudad de Petra en Jordania y los templos japoneses. Además, Major encontró influencias en la obra de Frank Lloyd Wright y en las atmósferas pictóricas de William Turner.
No se puede hablar del diseño de producción sin mencionar la labor fundamental de Dan Hennah, quien supervisó la construcción de los numerosos sets y la reorganización de locaciones para que sirvieran como múltiples escenarios dentro del relato.
El resultado es una recreación inigualable de un mundo ficticio que, sin embargo, se siente completamente real y orgánico.
7. Cleopatra
Diseñador: John DeCuir
Si Cleopatra se produjera en la actualidad, su presupuesto ascendería a unos 330 millones de dólares. Lo cierto es que esta exorbitante inversión no estaba prevista desde el inicio; el filme atravesó múltiples cambios de equipo, guion, estudio e incluso país durante su complicada producción. Y aunque su fracaso en taquilla casi llevó a la bancarrota a Twentieth Century Fox, hoy es reconocida como una cátedra de diseño de producción y vestuario.
Decir que la creación del universo visual de Cleopatra fue una tarea titánica sería quedarse corto. Se contrataron miles de artistas, artesanos y obreros para la construcción de más de setenta sets diseñados por DeCuir, cada uno de ellos una muestra de opulencia y meticulosidad.
El costo de la producción se disparó porque la mayoría de los decorados y utilería fueron fabricados a mano, y porque DeCuir recibió la orden de que los escenarios fueran tres veces más grandes que sus equivalentes históricos. Su colosal recreación de la Esfinge, por ejemplo, medía 10 metros de altura y 21 de largo. Además, el equipo de producción utilizó oro auténtico para embellecer vestuarios, accesorios y decorados.
Más allá de la desmesura, la envergadura de Cleopatra es un espectáculo sin precedentes. Glamorosa y excesiva, su estética influyó no solo en el cine, sino también en la moda de la época. Incluso Andy Warhol la catalogó como una de las películas más influyentes en la cultura pop. Basta una mirada a sus fastuosos escenarios para entender por qué.
6. 2001: Una odisea del espacio
Diseñador: Anthony Masters
La obsesión de Stanley Kubrick por la perfección y el rigor científico queda plasmada en cada plano de 2001: odisea del espacio. No es de extrañar, entonces, que tanto él como Arthur C. Clarke recurrieran a Frederick Ordway y Harry Lange, consultores de la NASA, para diseñar las naves y cápsulas espaciales que protagonizan la película.
Una vez definido el mundo tecnológico de 2001 –con cada detalle minuciosamente explicado en el guion–, la tarea de materializarlo recayó sobre el diseñador de producción Anthony Masters.
El resultado es sencillamente hipnótico. Desde la icónica secuencia del centrifugado, que requirió la construcción de un set giratorio real, hasta la intensa estética rojo-anaranjada del núcleo de HAL 9000, cada escenario de la película es una maravilla visual.
Si bien estos diseños responden a criterios científicos, poseen al mismo tiempo una simetría y armonía estética que los convierten en un espectáculo en sí mismos. 2001 no presenta una visión convencionalmente futurista, sino una interpretación del futuro desde la óptica de los años 60: un sublime ejercicio de retrofuturismo que, al igual que Blade Runner, ya no se encuentra en el cine contemporáneo.
Sí, algunos espacios como los salones de suelos blancos y sofás rosados, o la secuencia del Stargate, toman libertades poéticas. Pero ¿importa realmente? Su diseño sigue siendo una obra de arte que captura una visión perdida del porvenir.
5. La ventana indiscreta
Diseñador: Joseph Macmillan
Preguntas rápidas: ¿puedes imaginar La ventana indiscreta ambientada en otro lugar que no sea su icónico patio interior? Y, ¿puedes recordar otro filme en el que el escenario sea tan esencial para la narrativa? Alfred Hitchcock no solo dirigió una de las mejores películas de suspense de todos los tiempos, sino que también concibió uno de los diseños de producción más innovadores de la historia del cine.
La película gira en torno al voyeurismo, aunque en lugar de un deseo erótico, el protagonista es arrastrado por una macabra obsesión con un posible asesinato. Desde la primera toma, la cámara se desliza por las múltiples ventanas del set, revelando fragmentos de la vida de los inquilinos y estableciendo las dinámicas sociales del edificio. A medida que avanza la trama, es el propio escenario el que ofrece pistas clave para resolver el misterio.
Joseph Macmillan trabajó estrechamente con Hitchcock –célebre por planificar cada elemento de sus películas antes del rodaje– para diseñar un set que respondiera a las necesidades de la cámara. Su diseño demuestra una comprensión excepcional de los ángulos y movimientos cinematográficos.
Hitchcock creía firmemente que todo director de arte debía tener conocimientos de arquitectura, y el meticuloso trabajo de Macmillan prueba que el maestro del suspense no tenía nada de qué preocuparse.
4. Intolerancia
Diseñadores: D.W. Griffith y Walter L. Hall
Resulta irónico que el mismo hombre que dirigió la infame El nacimiento de una nación –responsable de revivir al Ku Klux Klan en la década de 1910– creara también Intolerancia, una epopeya de 210 minutos que exalta el amor y la solidaridad a través de la historia. Pero aquellos familiarizados con la carrera de D.W. Griffith saben que su impacto en la evolución del cine fue tan innovador como contradictorio.
Intolerancia es una de las películas más ambiciosas jamás realizadas. Relatada en cuatro líneas narrativas –la antigua Babilonia, la crucifixión de Cristo, la Francia de la Revolución y Estados Unidos en 1910–, su envergadura es difícil de plasmar en palabras.
En lugar de recurrir a maquetas o trucos de cámara para dar vida a la legendaria Babilonia, Griffith decidió construirla a escala real. El set principal medía 300 metros de altura y 1600 de ancho, y albergaba a más de 3000 extras. La producción era tan colosal que muchos creyeron que Griffith estaba filmando cuatro películas diferentes.
Pero no es solo cuestión de tamaño: la majestuosidad de Intolerancia sigue impresionando hasta hoy. Desde los exquisitos detalles arquitectónicos de Babilonia hasta las fastuosas salas aristocráticas de la Francia revolucionaria, la película encapsula una grandeza que definió el Hollywood clásico e inspiró a generaciones de cineastas.
3. El conformista
Diseñador: Ferdinando Scarfiotti
Puede que no lo sepas, pero El conformista de Bernardo Bertolucci marcó un punto de inflexión en el diseño de producción, en gran parte gracias al enfoque revolucionario de Scarfiotti para observar y concebir los espacios cinematográficos. Mientras que muchos diseñadores antes que él trataban las locaciones como entidades separadas a las que debían insertarse elementos simbólicos y estéticos, Scarfiotti las concebía como entornos orgánicos que existían dentro de la película.
Sus elecciones audaces y a veces desconcertantes son bien conocidas en el ámbito del diseño de escenarios. En una escena de El conformista que involucraba varias nueces esparcidas sobre una mesa, Scarfiotti simplemente afirmó: «Pensé que se veía bien». Esa libertad y enfoque sin concesiones distinguen el diseño de esta película de cualquier otra.
No se trata solo de la incorporación de la estética y la arquitectura fascista en los escenarios hipnóticos de la película, sino de la libertad para crear ideas visuales de locaciones en lugar de limitarlas a una recreación puramente realista.
Pensemos en el hospital psiquiátrico que Marcello visita a mitad de la película. No se asemeja a un hospital mental convencional y, sin embargo, resulta inconfundible como tal debido a la atmósfera que evoca y a los símbolos y objetos presentes, a pesar de estar dispuestos con una licencia poética inusitada. Ese interés por presentar lo irreal bajo una pátina visualmente realista hizo que el diseño de El conformista fuese no solo original, sino también profundamente influyente.
2. Alien
Diseñadores: Ron Cobb y H.R. Giger
Están equivocados quienes creen que H.R. Giger fue el único responsable del inconfundible diseño de Alien. Si bien Giger diseñó la criatura titular y su húmedo y aterrador hábitat, Ron Cobb fue el artífice de los góticos, laberínticos y claustrofóbicos corredores del Nostromo. En otras palabras, Giger imaginó el horror; Cobb, la frialdad industrial de la humanidad.
Ambos diseños convergen de manera inquietante en la película. La criatura de Giger, un ser biomecánico, se mimetiza con el entorno de la nave, lo que refuerza la sensación de paranoia y desasosiego.
Por su parte, Cobb abordó el Nostromo como un desafío de diseño industrial. Su objetivo era que todo pareciera funcional y realista, diseñando desde la estructura de los motores hasta los sistemas de protección contra la radiación.
La combinación de esta precisión técnica con el perturbador simbolismo sexual de Giger dio lugar a escenarios que se convirtieron en una leyenda del cine. El realismo del diseño incluso afectó a los actores: los sets del Nostromo fueron construidos a escala real, lo que significaba que si un actor quería salir del set, tenía que caminar a través de él, atrapado como su personaje.
1. Metrópolis
Diseñadores: Otto Hunte, Erich Kettelhut y Karl Vollbrecht
Seamos razonables: Metropolis sólo podía ocupar el primer puesto (aunque Blade Runner estuvo cerca, pero, después de todo, se inspiró profundamente en esta obra maestra). Oscuros, sombríos y de un expresionismo arrebatador, los escenarios de Fritz Lang son una cátedra de arquitectura y diseño cinematográfico.
Compuestos en su mayoría por pinturas mate, maquetas de madera en relieve y modelos tridimensionales escalados a 1/16 de la altura simulada, los escenarios de Metropolis presentan una distopía futurista en la que las fábricas opresivas aplastan a los obreros, mientras que las oficinas empresariales respiran modernidad y ambición.
Inspirados en el Bauhaus, el Art Déco y, por supuesto, el Expresionismo Alemán, cada edificación de la película es imponente y aterradora, con un uso magistral de la verticalidad en la ciudad y sus carreteras entrecruzadas.
Es difícil imaginar una película de ciencia ficción que no haya sido influenciada por Metropolis. La colosal Torre de Babel inspiró directamente a Blade Runner, y la visión de carreteras suspendidas en rascacielos allanó el camino para incontables elementos icónicos del género, desde Star Wars hasta El quinto elemento.
En definitiva, nadie ha superado a los alemanes cuando se trata de diseño cinematográfico y de la magia pionera del cine.
Los 15 mejores diseños de producción en la historia del cine de acción y blockbuster
El diseño de producción es una de las piezas fundamentales en la creación de mundos cinematográficos que trascienden la pantalla, en especial dentro del cine de acción y los blockbusters. Desde la metódica planificación de escenarios reales hasta la creación de imponentes paisajes digitales, cada elemento visual contribuye a sumergir al espectador en universos llenos de dinamismo y espectacularidad. A lo largo de la historia, algunas producciones han elevado este arte a niveles insuperables. A continuación, exploramos los mejores diseños de producción en la historia del cine de acción y grandes producciones.
1. Mad Max: Fury Road (2015) – Diseñador: Colin Gibson
La cuarta entrega de la saga Mad Max llevó el concepto de diseño de producción a nuevas alturas, con un mundo postapocalíptico detalladamente construido. Los vehículos, convertidos en verdaderos personajes, fueron diseñados de manera artesanal con una estética que combinaba lo brutal y lo operático. Los escenarios del desierto de Namibia y los imponentes asentamientos, como la Ciudadela, se fusionaron con un uso magistral del color y la composición visual, creando una de las experiencias cinematográficas más impactantes del siglo XXI.
2. Blade Runner (1982) – Diseñador: Lawrence G. Paull
Ridley Scott reinventó la estética del cine de ciencia ficción con Blade Runner, cuya visión de una metópoli oscura y sobreindustrializada sigue influyendo en el diseño visual de innumerables producciones. Inspirada en el Art Deco, el futurismo y la arquitectura japonesa, la ciudad de Los Ángeles del 2019 se plasmó como un escenario gótico y opresivo. La interacción entre los escenarios físicos y los efectos visuales prácticos dotaron a la película de una textura irrepetible.
3. El Caballero Oscuro (2008) – Diseñador: Nathan Crowley
Christopher Nolan revolucionó el género de los superhéroes con un enfoque realista, y el diseño de producción fue clave para este logro. Gotham se transformó en una ciudad vívida, fusionando el caos urbano con la frialdad arquitectónica, lo que contribuyó a la sensación de peligro constante. La construcción de la Baticueva, los vehículos como el Batpod y la espectacularidad del atraco inicial en el banco fueron diseñados con un nivel de detalle impresionante.
4. Origen (2010) – Diseñador: Guy Hendrix Dyas
En Inception, el diseño de producción desafía la lógica arquitectónica al jugar con la percepción del espacio y la realidad. La concepción de escenarios como el pasillo giratorio y la ciudad plegable de París fusionó la física con la narrativa cinematográfica. Cada nivel del sueño en la película fue diseñado con una identidad visual propia, reflejando la complejidad del subconsciente.
5. Star Wars: A New Hope (1977) – Diseñador: John Barry
El diseño de producción de Star Wars marcó un antes y un después en la creación de universos cinematográficos. Barry concibió un futuro gastado y vivido, alejándose de la estética pulcra de la ciencia ficción anterior. La diversidad de planetas, la monumental Estrella de la Muerte y la crudeza de Tatooine establecieron una identidad visual que se mantendría en la saga durante décadas.
6. Jurassic Park (1993) – Diseñador: Rick Carter
Steven Spielberg transportó al público a un parque temático de dinosaurios que parecía completamente funcional gracias a la meticulosa dirección de arte. Desde la arquitectura del centro de visitantes hasta la selva exuberante llena de recintos electrificados, todo en Jurassic Park se sintió tangible y creíble. La combinación de escenarios prácticos con efectos visuales innovadores consolidó su estatus de clásico.
7. The Matrix (1999) – Diseñador: Owen Paterson
La revolución estética de The Matrix radicó en su diseño visual, con un mundo virtual que replicaba la arquitectura brutalista y los tonos monocromáticos de un sistema opresivo. Los interiores minimalistas y la construcción de espacios icónicos como el dojo de entrenamiento y la cámara blanca de armas demostraron una comprensión profunda del lenguaje visual.
8. Avatar (2009) – Diseñador: Rick Carter y Robert Stromberg
El diseño de producción de Avatar (2009), dirigido por James Cameron y con el diseño a cargo de Rick Carter y Robert Stromberg, es una obra maestra de la construcción de mundos. La película crea el exuberante planeta Pandora, un ecosistema alienígena vibrante y bioluminiscente que combina elementos de ciencia ficción con una estética naturalista inspirada en selvas tropicales terrestres.
Los paisajes de Pandora, con montañas flotantes, frondosos bosques y un ecosistema interconectado, fueron diseñados con un alto nivel de detalle gracias a la integración de CGI y efectos prácticos. La arquitectura de los Na’vi, con sus estructuras orgánicas y basadas en la naturaleza, contrasta con la estética industrial y agresiva de los humanos, quienes imponen bases militares y maquinaria pesada que resaltan la dicotomía entre la tecnología invasiva y la armonía del mundo nativo. El uso de colores vibrantes, bioluminiscencia y formas fluidas dota a Pandora de una sensación mágica y sensorial, mientras que la escala de los paisajes enfatiza la inmensidad del mundo y la relación simbiótica entre sus habitantes.
9. Indiana Jones y el templo maldito (1984) – Diseñador: Norman Reynolds
Dirigida por Steven Spielberg y con el diseño de producción de Norman Reynolds, esta película se caracteriza por una estética de aventura exótica y peligrosa. El diseño de producción se inspira en los paisajes orientales y en la cultura india, presentando templos, selvas y cavernas como escenarios de vasto misterio. Los detalles visuales en las escenas del templo, como los ricos adornos de las paredes y el uso de la iluminación para crear atmósferas tensas, son elementos clave en la creación de un mundo exótico, peligroso y lleno de rituales arcaicos. La atmósfera claustrofóbica dentro del templo y la exuberante selva exterior son cruciales para transmitir el tono de la película.
10. Depredador (1987) – Diseñador: John Vallone
En esta película dirigida por John McTiernan, el diseño de producción se centra en la jungla tropical, creada por la densa vegetación de la selva del Amazonas, donde los personajes quedan atrapados y acechados por una fuerza invisible. El diseño de producción, bajo la supervisión de John Vallone, es esencial para construir el tono de suspense y aislamiento. La jungla no solo funciona como un escenario natural, sino como un personaje en sí misma, donde las sombras y la luz juegan un papel crucial para el impacto visual. Las estructuras de campamento, y la incorporación de tecnología militar y artefactos dentro de este espacio salvaje, son contrastes que subrayan el conflicto entre lo humano y lo desconocido.
11. Terminator 2: el juicio final (1991) – Diseñador: Joseph Nemec
Con el diseño de producción de Joseph Nemec, Terminator 2 presenta un enfoque futurista y distópico, que se combina con la presencia de tecnología avanzada y elementos de acción. La película utiliza una estética industrial y fría, a menudo destacando el contraste entre lo humano y lo mecánico, con el uso recurrente de escenarios desolados y ciudades en ruinas. Los detalles de los cyborgs, como el T-800, son diseñados para crear una sensación de lo inorgánico y aterrador. La representación del futuro, donde las máquinas dominan, está impregnada de la opresión y desesperanza inherentes al concepto de un mundo post-apocalíptico.
12. El jinete pálido (1985) – Diseñador: Henry Bumstead
Bajo la dirección de Clint Eastwood y el diseño de producción de Henry Bumstead, esta película de vaqueros con tintes sobrenaturales presenta una atmósfera sombría y melancólica. El paisaje árido del Oeste se convierte en una especie de desolación existencial, donde los elementos como la luz tenue, las vastas llanuras y las estructuras de madera envejecidas son fundamentales para contar la historia de venganza y justicia. El vestuario austero y el diseño de las aldeas subrayan la austeridad y el paso del tiempo, evocando una sensación de fatalismo propio del western.
13. Robocop (1987) – Diseñador: William Sandell
El diseño de producción de Robocop es clave para la creación de su ciudad distópica, Detroit, una urbe saturada de neón, grafitis y una constante sensación de caos social y económico. La película, dirigida por Paul Verhoeven y con el diseño de producción de William Sandell, presenta una visión de un futuro donde la tecnología avanza rápidamente, pero la humanidad se desintegra. El contraste entre el diseño de las instalaciones industriales y los entornos urbanos decadentes sirve para acentuar el desamparo de la sociedad. La figura del policía cyborg también se construye a partir de un diseño brutalista y funcional, para destacar la desconexión entre el hombre y la máquina.
14. Batman (1989) – Diseñador: Bo Welch
El diseño de producción en Batman, dirigido por Tim Burton y bajo la supervisión de Bo Welch, es una de las características más distintivas del filme. El Gotham City de Burton se presenta como una ciudad oscura y gótica, con una arquitectura monumental y formas angulosas, donde la modernidad se fusiona con elementos medievales y victorianos. Los sets de la ciudad, como el Batimóvil y la Batcueva, se diseñaron con una estética que subraya la obsesión y la dualidad del personaje de Bruce Wayne. La atmósfera opresiva y sombría se intensifica con el uso de luces tenues, sombras marcadas y una paleta de colores oscuros, alineada con el tono gótico y extraño que Burton quería imprimir a su versión del superhéroe.
15. Dune: parte 2 (2024) – Diseñador: Patrice Vermette
La secuela de Dune, dirigida por Denis Villeneuve, mantiene el enfoque visual elaborado por Patrice Vermette en la primera parte, pero amplía y enriquece los mundos representados en la historia. El diseño de producción en Dune: parte 2 es esencial para mostrar los contrastes entre el desierto de Arrakis, las ruinas ancestrales y la tecnología avanzada de los habitantes del planeta. La majestuosidad de los sets y la monumentalidad de las construcciones se combinan con los paisajes áridos, mientras que los detalles como los trajes y los vehículos se diseñan para transmitir la lucha por el control y la supervivencia en un ambiente hostil. El uso de la luz y la sombra en los desiertos crea una sensación de vastedad y peligro, mientras que las estructuras de los diferentes pueblos se basan en la geometría y el simbolismo de las culturas antiguas.
Cada uno de estos filmes utiliza el diseño de producción no solo como un medio para ambientar las historias, sino como una herramienta visual para reforzar el tono, los temas y las emociones que se buscan transmitir a la audiencia. El diseño de producción no es meramente decorativo, sino que tiene un rol profundo en la construcción del universo narrativo y la creación de atmósferas inmersivas.
Conclusión
El diseño de producción en el cine de acción y blockbusters no solo enriquece la estética visual, sino que también define la identidad narrativa de cada película. Desde mundos distópicos hasta ciudades hiperrealistas, estos diseños han dejado una huella indeleble en la historia del cine, demostrando que la espectacularidad visual es una de las piedras angulares del entretenimiento cinematográfico.
